Humanity vs. AI

Dominik Schubert  aka ASIT 9 setzt mit seinen Motiven zu „Humanity vs. AI“ einen satirischen Warnruf – und trifft damit einen Nerv der Gegenwart. Im Interview spricht der Illustrator und Art Director über kreativen Flow, intuitive Farbentscheidungen und die Frage, wie Authentizität und Haltung in der Illustration im KI-Zeitalter sichtbar bleiben.

Wie bist du auf das Thema „Humanity vs. AI“ gekommen? Und was bedeutet der Satz „Die Maschine informiert über die nicht vorhandene Liebe“ für dich?
Es ist als satirischer Warnruf gedacht. Der Umgang mit AI ist in allen Bereichen rasend schnell vorangeschritten, und ich finde, man hätte sich mehr Zeit nehmen müssen, weil wir die Folgen zum Teil noch gar nicht abschätzen können. Ein vielleicht etwas holpriger, aber passender Vergleich: Es ist vermutlich auch keine besonders gute Idee, eine Person nach den ersten drei Dates direkt zu heiraten und eine Familie zu gründen. But who am I to judge.

Du nutzt starke Farbkontraste und klare Flächen. Welche Rolle spielt Farbe in deiner Arbeit grundsätzlich?
Farbe verwende ich sehr intuitiv. Sie spielt eine große Rolle, aber ich entscheide meist im Moment und stark aus dem Gefühl heraus.

Mensch vs. Maschine: Welche Rolle wird Illustration darin spielen?
Die Situation hat sich in den letzten zwei Jahren sicher zugespitzt. Viele Kund:innen folgen einem sehr kapitalistischen Ansatz und sparen dort, wo es möglich ist – leider oft bei kreativer Arbeit. Dem:der Endverbraucher:in scheint es nicht wichtig genug zu sein oder er:sie erkennt den Unterschied in unserer stark reizüberfluteten Gesellschaft nicht mehr.
Persönlich hoffe ich dennoch sehr auf eine kulturelle Renaissance. Wenn wir zulassen, dass AI uns Menschen im kulturellen Bereich ersetzt, sind wir – meiner Meinung nach – als Spezies obsolet.

Was bedeutet für dich Authentizität in der Illustration? Woran misst du Ehrlichkeit in einem Bild?
Authentizität beginnt bei einem selbst. Deshalb würde ich sagen, dass Ehrlichkeit in einer Arbeit von innen heraus entsteht – und dass man sie sehen bzw. spüren kann. Genau hier liegt auch meine Kritik am Umgang mit AI-Tools: Man erkennt, dass sich ein Computer vieler vorhandener Ressourcen bedient und diese möglichst effizient miteinander kombiniert. Echte Detailarbeit und eine klare, ehrliche Message sind dabei – meiner Meinung nach – kaum möglich.

Du bist sowohl Illustrator als auch Art Director. Wie unterscheidet sich für dich konzeptionelles Denken vom eigentlichen Zeichnen?
Für mich gibt es hier keine grundlegenden Unterschiede. Ich gehe die meisten Themen konzeptionell sehr ähnlich an. Am Anfang steht im Idealfall eine klar formulierte Aufgabenstellung – und dann ist es die Aufgabe von Art Direction und Illustration gleichermaßen, daraus eine gute und visuell überzeugende Lösung zu entwickeln.

Wie gehst du mit Projekten um, die bewusst außerhalb deiner Komfortzone liegen?
Try and Error – im Idealfall findet man aus dem Prozess heraus einen guten Lösungsansatz und baut darauf auf. Wenn es sich jedoch gar nicht gut anfühlt, sage ich ein Projekt oder eine Anfrage lieber ab. Bevor ich etwas mache, hinter dem ich nicht stehen kann, lasse ich es lieber bleiben.

Woran erkennt man „eine typische Dominik-Arbeit“?
An einer gewissen Farbigkeit und einer sehr direkten, ehrlichen Strichführung. Dazu kommt ein Humor – oder besser: eine persönliche Haltung und emotionale Tiefe, eine Art Storyline. Meine Arbeiten sind teilweise sehr unterschiedlich, aber ich glaube, man erkennt trotzdem, dass sie vom selben Absender stammen.

Du arbeitest analog wie digital und bewegst dich souverän zwischen Stift, Pixel und Vektor. Was brauchst du, um in einen echten kreativen Flow zu kommen?
Im Grunde funktioniert das bei mir relativ entspannt. Ich versuche, meinen Geist frisch und inspiriert zu halten, indem ich ihn kontinuierlich mit neuen Eindrücken und Erfahrungen näre – aus dem Alltag ebenso wie aus kulturellen Kontexten.

Experimentieren ist für dich zentral. Gibt es Techniken, die dich zuletzt besonders überrascht oder verändert haben?
Veränderung ist Teil des Lebens. Ich bin überzeugt, dass man sich persönlich wie kreativ immer wieder neu erfinden sollte. Das heißt nicht, dass jede neue Richtung automatisch ein guter Ritt ist – aber ohne Scheitern gibt es keine Verbesserung und keine Weiterentwicklung. Wer keine Fehler macht, lernt nicht, Dinge anders oder besser zu machen. Und umgekehrt: Wenn man nichts Neues ausprobiert, kann man auch nicht herausfinden, ob es vielleicht der bessere Weg für einen ist.

Welche Themen reizen dich aktuell besonders, künstlerisch oder gesellschaftlich?
Ich arbeite gerade sehr viel analog, werde aber auch weiterhin stark im Mixed-Media-Bereich arbeiten. Mir ist wichtig, mir den gestalterischen Spielraum zu erhalten und mich nicht zu sehr einzuschränken.

Wenn du dir ein Traumprojekt wünschen könntest – analog oder digital – wie würde es aussehen?
Ich würde sehr gerne eine illustrative Welt für ein Event gestalten oder mitentwickeln – zum Beispiel für Lollapalooza, Primavera oder Ähnliches. Also ein Event-Branding von der Konzeption dieser Welt über Gestaltungselemente und Typografie bis hin zu Stagedesign, Werbemitteln, Merchandising und mehr.